Né en 1906 au sein d’une famille de l’aristocratie lombarde – les Visconti di Modrone – Luchino Visconti fut très jeune habitué à côtoyer la beauté et le luxe. On lui enseigna le goût pour les arts : la peinture, la littérature, la musique et surtout l’opéra romantique italien. Cette éducation de choix et la fréquentation d’une classe aristocrate déclinante, marqueront toute son œuvre.
En 1936, grâce à des connaissances françaises, il rencontre Jean Renoir qui lui propose une place de stagiaire sur le tournage d’Une partie de campagne, expérience qui constituera un déclic dans la vie de Visconti non seulement d’un point de vue artistique mais également et surtout sur le plan politique. C’est au cœur des événements du Front Populaire qu’il prend conscience de toute la portée d’un cinéma politiquement engagé, choc pour cet homme issu d’un pays fasciste où la censure est omniprésente.
Réalisme et politique
De retour en Italie, il fréquente assidûment les milieux antifascistes et se lie au parti communiste italien. Visconti signe de nombreux articles dans la revue Cinéma critiquant avec virulence le cinéma italien contemporain. Il appelle à un renouveau esthétique. Il faut dire qu’à l’époque, le cinéma italien est composé essentiellement de films historiques, d’adaptations littéraires, de films de propagande fascistes et de romances à l’eau de rose appelées aussi films des téléphones blancs. Les films étrangers sont, bien entendu, interdits.
C’est dans ce contexte que Visconti réalise en 1943 son premier film Ossessionne. Véritable choc cinématographique, acte de naissance du néoréalisme italien. Empreint d’une atmosphère sulfureuse, on y parle de meurtre, d’adultère. Les comédiens y incarnent des personnages aux pulsions érotiques et mortifères. Une adaptation du roman noir américain Le facteur sonne toujours deux fois de James Cain, qui marquera à jamais le cinéma italien et le cinéma mondial. A sa sortie, Ossessione sera censuré et interdit par les autorités politiques et religieuses italiennes.
Avec cette entrée fracassante dans le milieu cinématographique, Visconti démontre qu’il ne fait aucune concession artistique et prouve qu’il est possible de faire évoluer des personnages dans un monde réel et loin des mensonges du fascisme mussolinien. Il affirme au-delà de son engagement politique, une envie de développer une forme esthétique inédite qui permet de mieux partager son propos. L’aboutissement de cette forme sera atteinte avec La terre tremble (1948) ou Violence et Passion (1974).
Esthétisme raffiné
Au-delà d’un vérisme centré sur les préoccupations des personnages, Visconti choisit dans ses films suivants d’avoir une approche certes toujours réaliste mais beaucoup plus épique au sens large. Désormais, les situations intimistes se confrontent à l’Histoire comme dans Senso, Le Guépard ou Ludwig.
Le Guépard, fresque somptueuse et drame humain dont Visconti dit qu’il est dominé par un sentiment de mort, nous convie tout autant au spectacle de la fin d’une vie, qu’à la déchéance d’une classe dominante à un tournant historique de l’Italie du la fin du XIXe siècle. Dès lors, drame existentiel et épopée historique ne font qu’un.
S’éloignant de la force brute et documentaire du cinéma de Rossellini, La recherche de réalisme voulue par Visconti passe plutôt par une construction intellectuelle, culturelle et esthétique. La plupart des films qui suivront seront tous empreints d’un sentiment évoquant la fascination d’un monde perdu (l’aristocratie de son enfance) et d’une obsession de la perte et de la mort.
Visconti réalisera en 1969, Les Damnés : Ascension et chute d’une famille d’industriels allemands corrompue par les nazis à l’aube de la seconde guerre mondiale. 1er volet d’une trilogie allemande qui sera suivie de Mort à Venise et Ludwig.
Avec les Damnés, Visconti dresse un tableau à la fois sombre et lumineux de l’avènement et de la chute d’une famille de riches industriels allemands dévorée par la haine faisant écho au nazisme qui rongera l’Allemagne toute entière. Décrire le scandale et la violence à travers une mise en scène rouge sang aux accents de fresque wagnérienne, c’est le choix fait par Visconti pour évoquer comment une grande culture européenne peut être compromise par la barbarie de l’homme. Toujours très lié au parti communiste italien, il ira jusqu’à déclarer à propos des Damnés, que le nazisme fut l’aboutissement criminel du capitalisme.
Même dans Mort à Venise, film crépusculaire chargé de symboles, Visconti opposera la bourgeoisie de l’Hôtel des Bains au petit peuple anonyme.
De ses années d’apprentissage à la réalisation de ses ultimes chefs d’oeuvre, Luchino Visconti n’a jamais fait le choix de l’idéologie au détriment de l’art. Pour lui les deux sont intimement liés. Ses films sont le fruit d’une puissante élaboration culturelle et intellectuelle où l’homme est sans cesse en quête de vérité.
Je remercie vivement mon ami Gilles Amieux pour avoir écrit ce texte. Grand adepte et connaisseur du cinéma de Visconti, Gilles a accepté de nous offrir un angle de vue de l’oeuvre du maître que j’espère vous apprécierez. Quant à moi je vous propose un extrait d’un film du réalisateur qui m’a beaucoup marquée. Mort à Venise.
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